レビュー: コペンハーゲン・コンテンポラリーでの「光と空間」

Sep 16, 2023

9 月 4 日まで開催される壮大なグループ ショー「Light & Space」では、象徴的な光とインスタレーション アート運動の過去と現在を探ります。 それは肉体的、感情的、肉体的で方向感覚を失わせるものです

コペンハーゲン・コンテンポラリーで開催される「光と空間」展は、規模と範囲において壮大です。 国際アートセンターは、2021年12月2日にオープンする前に、「あらゆる意味でビッグになるだろう！」と宣言した。5,000平方メートルに広がり、27人のアーティストによる作品が展示されるこの展覧会は、6歳児にとって史上最大の展覧会となる。 1960 年代にロサンゼルスとその周辺で発生した影響力のある光とインスタレーション アート運動 (光と空間) のアーティストの最も包括的なプレゼンテーションです。

ジェームズ・タレルの没入型でサイトスペシフィックな「Aftershock」（2021 年）から、直径 20 メートルの照明付きファイバーグラス製ドームであるダグ・ウィーラーの「LC 71 NY DZ 13 DW」（2013 年）まで、この展覧会は記念碑的で印象的なものです。 しかし、「Light & Space」の本当の力はその親密さから生まれます。 作品を身体的、感情的に体験します。 ヘレン・パシュジャンの「Untitled, 2021」のように、強化された光のサイクルで照らされたキャストエポキシレンズのように、はかなく包み込むようなものもあります。 対立していなくても、方向感覚を失っている人もいます。 エリック・オアの『ゼロ・マス』（1972年から1973年）では、印画紙で裏打ちされた楕円形の部屋が非常に暗い空間を形成し、目が機能していないため体が過敏になります。

Doug Wheeler、LC 71 NY DZ 13 DW、2013。強化ガラス繊維、フラットホワイト二酸化チタンラテックス、LED ライト、および DMX コントロール。 © Doug Wheeler 提供: David Zwirner。

「この作品にはどれも精密さがあり、触覚や身体的な経験と結びついているので非常に魅力的です。 ですから、たとえ作品によっては冷たいように見えるかもしれませんが、そうではありません。それは常に体の中で湧き上がってくるものだからです」と、コペンハーゲン・コンテンポラリーのディレクター、マリー・ニッパーは言います。 あるいは、アーティストのリタ・アルバカーキが言うように、「あなたは作品の一部になる」のです。

1979年にベニスビーチで初めて発表されたマテリア・プリマを再現する現場で、アルバカーキさんはカドミウムイエローの顔料を塩の床に塗り広げながら泣いたという。 「色彩に完全に浸かっていると、どこか傷つきやすくも美しいものがある。」 現在 75 歳のアルバカーキは、1970 年代、カリフォルニア ミニマリズムとも呼ばれる運動の真っ只中にアート シーンに登場しました。 それ以来、彼女は驚きと楽観主義を持って私たちと宇宙の関係を探求してきました。 彼女は、光と空間の運動を人工物ではなく、予言的なものとして認識しています。 「これが奥深い運動であることがますます分かってきました。 私にとって、2021年は重要な年でした。 「光と空間」の動きも同じように感じられ、まるで蝶番のようであり、まだ展開されていない本当に強力なものがあります。」

リタ・アルバカーキ、ソーラーリセット（2021）。 アーティストおよびピーター・ブレイク・ギャラリーのご厚意による。 マテリア プリマ (1979/2021)。 ピーター・ブレイク・ギャラリーとアーティストの厚意による。 展示風景「光と空間」、コペンハーゲン・コンテンポラリー、2021年。

彼女の精神はショーに注入されており、パンデミックに疲れた世界への救済策であるだけでなく、著名な男性像や、高度に磨かれた表面から「仕上げフェチ」と呼ばれる作品によって狭義に定義されることが多いこの運動の法医学的な再評価でもある。 「私たちは、これまでに行われたような明白な光と宇宙のショーをやりたくありませんでした。 私たちは、男性だけでなく新しい女性も加えてアーティストの幅を広げ、スペクトルを広げたかったのです」とニッパーは言います。 「光と空間の運動には、表面志向の作品以上のものが注入されています。風景や拡張された分野の絵画を志向した、私が有機的ミニマリズムと呼ぶものもあります。」

コンテキストが重要でした。 ニッパーは、当時の作品を適切に表現し、ヨーロッパのアーティストとともに現代の枠組みに置くことでその影響を実証したいと考えていました。 それは、ほとんど文書化されていないアーティストや作品を再発見し、現場で再現することを意味しました。 非常に意図的なプロセスだと彼女は言う。 2019年に彼女は全米を調査旅行し、施設やスタジオを訪問し、アーティストに会い、さらにはクエーカー教徒のジェームス・タレルと一緒に教会にも行きました。 「それがまさに研究の始まりでした。」 コペンハーゲンに戻ったニッパーと、ジャニー・ハーゲマン率いる展示チームは、「出来事」を取り上げたアートフォーラムのバックナンバーなど、多くの場合画像のない乏しい一次資料を熟読した。 これにより、当時は強力だったが、その後ほとんど忘れ去られていた、この「本当に素晴らしいもの」を作っていた広範なグループについて、より微妙な視点を得ることができました。

エリン・ジマーマンの忘れられない『無題』（1974 年）もそのような作品の 1 つです。 ガラスパネル上のハロゲンライトによって投影される影で作られた、物質と非物質性のミニマルな表現は、1974年以来初めて示されています。

ロバート・アーウィン、無題（1965-67）。 提供：ダイアアート財団ミリーとアーン・グリムチャーからの贈り物。 © Robert Irwin Light & Space、コペンハーゲン・コンテンポラリー、2021。

おそらくヨーロッパ史上最大規模となるこのような代表的なショーを開催するというこの取り組みは、コペンハーゲン・コンテンポラリーが重要なコレクションから貴重な独創的な作品を確保できたことも意味しました。 ダイア芸術財団は、ロバート・アーウィンの「無題」1965～67年を貸し出しました。この作品は、物体とその重なり合う影の認識を歪める4つのライトで照らされた、塗装された凸型アルミニウムディスクです。 アーウィンの初期の知覚作品は、この運動の名前に影響を与えました。 アートフォーラムの創刊編集長フィリップ・ライダーは、1966年のカタログエッセイの中で、自身の芸術を「空間と光の体験」と表現し、後に1971年の展覧会でこの用語が定着するようになった。

歴史的な作品は、オラファー エリアソンやアン ヴェロニカ ヤンセンスなどの現代作品と並べると、さらに響き合います。 明確な連続性があります。 アニッシュ・カプーアは光を吸収するボイドで有名ですが、彼の青い色素のボイド、1993 年は、アルバカーキが 10 年半前に考案したものと並べて考えると、違った見方ができます。

プロジェクト ジェミニ (NASA の初期の有人宇宙飛行計画) に携わった電気技師のフレッド エバースリーが 1960 年代後半に鋳造樹脂で遊び始めたとき、それはエキサイティングな新素材でした。 しかし、80歳の芸術家の2つの彫刻、紫、琥珀、青の無題（放物線レンズ）1971年と、前者が半透明であるのと同じくらい不透明な深い黒の無題（放物線レンズ）1976年は、魅惑的です。今日この媒体で作られたものは何でも。 エバースリー氏は放物線の力のおかげだと考えています。科学雑誌で放物線について読んだ後、1​​5 歳のときに古いターンテーブルとゼリーを使って初めて放物線を作りました。 「私の形である放物線は、あらゆる形態のエネルギーを単一の焦点に集中させる唯一の形です。」 彼は自分の彫刻を、要素を動かさずに動かすアートと呼んでいます。 これは展覧会全体を説明するのに適切な方法です。

イェッペ・ハイン、360° イリュージョン II (2007)。 アーティストの厚意により、ベルリンの KÖNIG GALERIE、ニューヨークの 303 GALLERY、コペンハーゲンの Galleri Nicolai Wallner より提供。 「光と空間」、コペンハーゲン・コンテンポラリー、2021年。

ロバート・アーウィン、光と空間（2007）。 コレクション サンディエゴ現代美術館; アネンバーグ財団の資金で美術館を購入、2007 年。© Robert Irwin 'Light & Space' Copenhagen Contemporary、2021。

ジュディ・シカゴ、女性と煙、カリフォルニア州（1971-1972）。 アーティストおよびニューヨークのサロン 94 の提供による。 ジェシカ・シルバーマン・ギャラリー、サンフランシスコ。 花のアートスペースを通して、 ARS、ニューヨーク。 © Judy Chicago インスタレーション ビュー Light & Space、コペンハーゲン コンテンポラリー、2021 年。

卵 (1972/2021) セラミック卵と珪砂 寸法は可変。 アーティストのご厚意により

情報

「Light & Space」、2022年9月4日まで、コペンハーゲン・コンテンポラリー。 コペンハーゲンコンテンポラリー.org

住所

レフシャレヴェイ 173A1432 コペンハーゲン

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